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Hace poco, vi la nueva película de Paul Thomas Anderson, “One Battle After Another”, y disfruté muchísimo de su trama, humor, ritmo, suspenso, actuaciones y fotografía. Sin embargo, hubo una escena en particular que me impactó: la persecución de coches hacia el final de la película. Fue tan única, tan inesperada y tan intensa que me dieron ganas de volver a ver otras persecuciones de coches icónicas de la historia del cine y analizar cómo afectan a la narrativa y a las emociones de los espectadores. ¡Y eso es exactamente lo que vamos a hacer ahora!
Si alguna vez has leído mis artículos, sabes que soy fan de la cinematografía intencional. Es decir, cuando los cineastas eligen el tamaño de las tomas, el encuadre, el movimiento de cámara, la iluminación, etc., basándose en cómo pueden enriquecer la narrativa y crear un impacto en la reacción subconsciente del público. Por eso, para mí, una buena persecución de coches no se trata solo de quién atrapa a quién; Se trata de cómo nos hace sentir mientras se desarrolla. Algunas escenas nos hacen aferrarnos al reposabrazos, otras nos hacen reír y otras se mueven al ritmo de un baile. Y en el caso de P.T. Anderson, pueden dejarnos mareados, como si hubiéramos estado girando al ritmo de la cámara.
Persecuciones de coches realistas pero emocionantes
Antes de sumergirnos en “One Battle After Another”, viajemos al pasado y veamos algunas escenas clásicas que moldearon el funcionamiento de las persecuciones de coches en la gran pantalla. Empezando, por supuesto, por “Bullitt” de 1968. La persecución de Steve McQueen por San Francisco en un Ford Mustang verde oscuro es, sin duda, una de las mejores escenas de persecución de coches del cine:
¿Por qué es legendaria? Por muchas razones, y una de ellas es que esta escena se siente tan realista, ¡tan real! Sin efectos especiales, sin trucos, solo coches volando sobre colinas, motores rugiendo y frenos chirriantes. La ausencia de música la hace aún más auténtica. Los cineastas lograron este efecto general filmando en San Francisco, con conductores profesionales y un amplio uso de especialistas. La secuencia completa tardó dos semanas en filmarse.
Además de eso, observa cómo la cinematografía y el montaje funcionan en conjunto. Los paneos de teleobjetivo combinados con ángulos bajos cerca de las ruedas, nos hacen sentir cada bache y curva peligrosa. La perspectiva por encima del hombro ayuda a aumentar la inmersión: de repente, no vemos lo que viene por la colina, al igual que los personajes, y el suspenso aumenta. El montaje, ganador del Óscar, es rápido pero nunca confuso, por lo que siempre se sabe dónde está cada coche. A veces, los planos se prolongan un instante después de que la acción haya terminado, dándole al público un respiro rápido antes de ser lanzados de nuevo a la persecución. En definitiva, los famosos cortes transmiten continuidad, mientras que la física real transmite riesgo. Por eso la escena sigue funcionando hoy en día, porque es realista, física y emocionante.
La cruda y documental sensación de una persecución de coches
Avanzamos unos años hasta 1971, y aquí tenemos otra gran escena para analizar: de “The French Connection” de William Friedkin. Tiene algunas similitudes con Bullitt, la misma sensación realista y la ausencia de música. Incluso usaron al mismo famoso doble de riesgo de la época, Bill Hickman. Pero en este caso, la persecución tuvo un enfoque de filmación y edición completamente diferente. Por favor, mírenla y comparen cómo los hace sentir:
Personalmente, siento un pico de cortisol al verla. La cámara suele estar demasiado cerca, cámara en mano y temblorosa. Los coches pasan rozando, la gente apenas se aparta, y la persecución se siente temeraria y descontrolada, como si pudiera salir mal en cualquier momento. Bueno, en realidad podría salir mal, ya que la escena se filmó al estilo guerrilla, sin los permisos necesarios y con una conducción realmente arriesgada. Friedkin diseñó la persecución y escenificó la acción con los actores, pero se comunicó muy poco con sus camarógrafos, con la esperanza de capturar una “sensación de documental inducido”. De hecho, ocurrieron algunos accidentes imprevistos que el director mantuvo en el montaje final.
En retrospectiva, William Friedkin admitió que el rodaje había sido una decisión arriesgada y temeraria, y es difícil no estar de acuerdo. Aun así, la energía cruda y sin pulir de la escena intensifica la sensación de peligro del espectador y es precisamente lo que la hace icónica.
Coreografía pura con un enfoque musical
¿Quieres ver algo completamente diferente? Comparemos nuestros ejemplos anteriores con “Baby Driver” de 2017.
¡Increíble primer plano, verdad? El thriller de acción de Edgar Wright ofrece una visión diferente de una persecución de coches clásicos. En lugar de caer en el realismo, el director convierte la escena en casi un número musical. Cada cambio de marcha, cada giro, cada corte está sincronizado con la banda sonora. Parece como si el coche bailara por las calles, lo que naturalmente crea una sensación de alegría en lugar de miedo. Claro, nosotros los espectadores sabemos que los personajes están en medio de una acción peligrosa, pero no sentimos ese peligro. Al contrario, se siente controlado y divertido: un robo con estilo, ritmo y adrenalina.
Cuando toda la película es una persecución de coches
En cuanto a las escenas de persecución, es imposible no mencionar la franquicia “Mad Max”, y en especial “Fury Road”. Toda la película es esencialmente una secuencia de persecución prolongada, aunque podría describirse acertadamente como una “guerra sobre ruedas”, con persecuciones absolutamente salvajes en un paisaje agreste.
Dejando a un lado el increíble diseño de producción postapocalíptico, el vestuario y los vehículos personalizados, ¿qué hace que estas escenas sean tan impresionantes? La forma en que se ejecutaron, con efectos principalmente prácticos, autos reales y acrobacias reales, algunas incluso con artistas del Cirque du Soleil. Aquí tienen un breve video detrás de escena que puede dejar a cualquiera boquiabierto:
Al igual que en nuestros dos primeros ejemplos, el enfoque práctico de la filmación ayuda a crear una sensación tangible de lo que realmente está en juego para los personajes. El sentido común nos dice que este mundo distópico no puede ser real, pero nuestros cuerpos reaccionan como si lo fuera, como si estuviéramos en medio de él. Como resultado, el público se siente visualmente abrumado, pero también completamente absorbido por la acción.
Persecuciones de coches hasta el mareo
Bueno, ahora estamos listos para volver a “One Battle After Another”. La película sigue en cartelera en cines selectos de todo el mundo, por lo que es casi imposible encontrar vídeos online. Sin embargo, el siguiente cortometraje nos ofrece un vistazo a la larga escena llena de suspenso que me gustaría comentar (a partir del minuto 01:08):
Tres coches en una carretera y un mareo absoluto, como el que se experimenta en el cine. No, en serio, me sentí mareado viendo esta escena porque es una auténtica montaña rusa, tanto visual como emocionalmente. Anderson utiliza la topología de la carretera y las líneas de visión para contar la historia, aumentar la tensión y generar una discusión sobre las decisiones cuestionables de los personajes. No se trata realmente de ser rápido. A veces, los movimientos de cámara son moderados o lentos, como si estuviera en una grúa, deslizándose justo por encima de la carretera siguiendo sus altibajos. En otras ocasiones, las secuencias utilizan tomas rápidas, con cortes precisos y llenos de acción que mantienen nuestra atención en el punto álgido.
Al mismo tiempo, nunca había visto una persecución de coches ejecutada de esta manera. La pregunta es si P. T. Anderson se inspiró en este lugar específico cuando descubrió la carretera, o si buscó intencionalmente una ruta empinada y sinuosa para reflejar la montaña rusa moral que se esconde tras la película. Es una pregunta abierta hasta ahora. ¿Tu qué opinas?
Y otras persecuciones de coches icónicas
Por supuesto, el cine está lleno de otros ejemplos de persecuciones de coches. También podríamos hablar de “Ronin” como una clase magistral de claridad, con cada maniobra cuidadosamente escenificada; o “The Bourne Identity”, que crea una sensación casi claustrofóbica a través de las estrechas calles europeas; o la serie “Fast and Furious” con sus constantes carreras callejeras…La lista es interminable.
Lo que las une es la cantidad de especialistas que requieren. Así que, si planeas rodar una persecución de coches, lo primero y más importante a tener en cuenta es la seguridad. Hemos recopilado algunos consejos sobre cómo trabajar con un coordinador de especialistas y filmar escenas de riesgo de forma segura, y puedes leerlos aquí. Sin embargo, si quieres una guía más detallada sobre este tema, considera unirte a nuestro curso de MZed “Selling the Punch”, que está repleto de información útil (no sobre persecuciones de coches en particular, sino sobre un enfoque general del trabajo de especialistas).
Conclusión
Esto nos ha dado muchas escenas diferentes para analizar. Pero todos estos ejemplos tienen algo en común: las persecuciones de coches nunca se tratan solo de coches. Se tratan de historia, ritmo, perspectiva y emoción. El diseño de sonido es tan importante como la conducción. La elección de los ángulos de cámara define si el público se siente como un pasajero o un observador. La edición puede darnos un subidón de adrenalina o una sensación relajada de alegría y aventura. Y las escenas de riesgo prácticas suelen tener más peso que los efectos visuales.
¿Cuál es tu escena favorita de persecución de coches? ¿Has tenido la oportunidad de ver “One Battle After Another”? Si es así, ¿qué te pareció el enfoque de P.T. Anderson? ¡Compartamos nuestras opiniones en los comentarios!
Imagen destacada: fotogramas de la película “One Battle After Another” de Paul Thomas Anderson, 2025.
Aclaración: MZed es propiedad de CineD.
