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La altura de la cámara es una de las herramientas cinematográficas más sencillas, pero también una de las más poderosas. Es sutil, no requiere equipo complicado e impacta al espectador de forma subconsciente. Al elevar la cámara ligeramente, el personaje en el encuadre se ve más pequeño, más frágil, impotente o juzgado. Al bajar la cámara, crece, se vuelve seguro, peligroso o incluso mítico. Examinemos cómo los cineastas utilizan los ángulos en las tomas, y qué puede revelar esta técnica aparentemente sencilla.
Sí, este tema pertenece a la teoría cinematográfica básica. Sin embargo, a veces es emocionante repasar las herramientas más sencillas y refrescar los conocimientos sobre cómo usarlas para enriquecer la narrativa. La altura de la cámara no solo se utiliza para dirigir la mirada del público, sino principalmente para introducir una perspectiva subjetiva. Y esa es una de las ideas principales que abordaremos a continuación.
Manteniéndose a la altura de los ojos
¿Cuál es el ángulo más común que se ve en las películas, si se hiciera un análisis estadístico? Sería una toma a la altura de los ojos, con la cámara situada en una posición más “normal”, neutra y estable. Es esa toma que apenas notamos. El nombre habla por sí solo, pero vamos a revisar la definición de todos modos. Aquí tienen una de nuestro curso MZed “Fundamentos de la Dirección”:
En el curso, el cineasta y educador Kyle Wilamowski nos ofrece un ejemplo de “True Grit” de los hermanos Coen. Enfatiza que al mantenernos a la altura de los ojos de los personajes, experimentamos el mundo tal como lo hacen ellos. Nada puede distraernos de él.
Aquí tienen otro ejemplo que le permite al público conocer a los personajes cara a cara, se trata de una recopilación de escenas de “Portrait of a Lady on Fire” de Céline Sciamma.
La película generalmente mantiene la cámara cerca de los rostros de las mujeres y a la altura de sus ojos durante los encuentros. ¿Qué efecto genera en el público? Primero, te conviertes en un observador neutral que puede decidir por sí mismo cómo se siente respecto a los personajes sin verse obligado a tomar una decisión. Segundo, la elección del plano dice algo así como: No estamos por encima ni por debajo de ellos; estamos con ellos en estos momentos íntimos y honestos, invitados a observar sus miradas y gestos. Y por último, en mi opinión, también comunica la igualdad entre los personajes y su pasión silenciosa y oculta. Por lo tanto, es una elección perfecta para esta historia, no solo por su neutralidad, sino también por su calma y autenticidad.
Planos altos y cómo nos afectan normalmente
Si colocamos la cámara ligeramente por encima de la línea de los ojos, la sensación de observador neutral desaparece al instante. Este tipo de plano se llama plano picado, y es aquel en el que la cámara mira hacia abajo al sujeto u objeto. Piénsalo: se trata de mirar a alguien desde arriba. La sola frase ya implica una especie de superioridad para el espectador. No es de extrañar que pueda hacer que el personaje que observamos se sienta débil e impotente.
Conectar el poder con la altura de la perspectiva puede incluso convertirse en una metáfora, recorriendo toda la película y dejando en claro un punto. Por ejemplo, en “Parasite”, Bong Joon Ho utiliza el espacio vertical y los ángulos picados para representar las clases sociales: los ricos viven arriba, los pobres abajo (y los más pobres, bajo tierra). Cuando la cámara mira hacia abajo a un personaje en una casa de clase trabajadora, enfatiza su distancia del poder. En este caso, ya no somos observadores neutrales.
Sin embargo, el plano picado no solo busca disminuir a un personaje. Al contrario, puede crear un efecto completamente opuesto.
El empoderador arte del plano picado
Imagina que colocamos la cámara aún más arriba del personaje y creamos un encuadre como este:
¿Se siente como si el personaje fuera impotente o débil? No, incluso si solo miras el fotograma de arriba sin haber visto la película, dudo que respondas lo contrario. Y cuando se sitúa al final de una escena de escape muy intensa, el efecto no hace más que aumentar:
Como señala Kyle Wilamowski, el personaje acaba de escapar de la prisión, y aunque lo miramos directamente desde arriba, se siente como un momento de libertad empoderante. Extiende las manos hacia el cielo, y en medio de la tormenta y los relámpagos, la cámara sugiere que nosotros, los espectadores, adoptamos la perspectiva de una fuerza superior, lo que también puede ser un efecto subjetivo creado por este tipo de encuadre.
Este tipo de toma es un ejemplo bastante extremo de picado, más conocido como vista de pájaro o plano cenital. Si te interesa saber qué más puedes hacer con este plano, visita nuestro artículo sobre el tema aquí.
El efecto de un contrapicado
Un contrapicado es lo opuesto a un picado. Bajar la cámara y mirar hacia arriba a alguien o algo lo hace más grande. En primer lugar, eso sin duda puede cambiar nuestra percepción de los personajes, haciéndolos parecer seguros, poderosos, en control o incluso heroicos (por eso suelen utilizar este tipo de ángulo en las películas de superhéroes).
Por otro lado, esta perspectiva nos hace sentir pequeños en relación con el personaje, por lo que los cineastas pueden usar planos bajos (contrapicados) para intimidarnos; Esto es especialmente cierto cuando lo combinan con un encuadre en primera persona (punto de vista). Tomemos como ejemplo la última escena y el último plano de “Inglourious Basterds” de Tarantino (Advertencia: es una escena cruel y contiene una representación gráfica de la violencia).
Estresante, ¿verdad? La misma herramienta narrativa visual se utiliza en la escena donde vemos llegar a los antagonistas de E.T. El contrapicado combinado con el punto de vista hace que los camiones parezcan enormes monstruos rugientes (a partir del minuto 02:54):
Por supuesto, no sabemos mucho sobre esta criatura en este punto de la película. Sin embargo, la elección del contrapicado contribuye a crear la sensación de vulnerabilidad de E.T. Gracias a estas tomas, es más fácil sentir compasión por el extraterrestre y temer a los enormes y amenazantes camiones con humanos. Así, las decisiones visuales moldean inconscientemente nuestra perspectiva, guiándonos sutilmente hacia dónde debe ir la historia.
Contrapicados alocados
Otro ejemplo interesante de un contrapicado es la escena del monólogo de la maldición de “The Lighthouse” (a partir del minuto 01:40):
Esta película, en general, utiliza un lenguaje de cámara muy particular (por ejemplo, escribimos sobre su inusual relación de aspecto aquí); Por eso cada toma y cada elección se sienten intencionales y diferentes de cómo funcionarían “normalmente”. En la escena que acabamos de ver, el personaje de Willem Dafoe no solo es un anciano amenazador, sino que también está confinado en un encuadre amenazante y estrecho. El contrapicado añade de alguna manera un aire ritualista y casi mítico a su monólogo, ¿verdad? No es un punto de vista, pero de repente no puedes apartar la vista de él. No es un héroe, ni una amenaza. Sin embargo, parece poseído por una fuerza sobrenatural. Elige otro ángulo y se transformará en un simple borracho loco.
Combinando contrapicados y picados en una misma escena
Por supuesto, no estamos atados a una única opción y podemos combinar contrapicados y picados en una misma escena. Por lo general, esto se usa para insinuar un juego de poder entre los personajes. Uno de mis ejemplos favoritos es la escena entre las profesoras Umbridge y McGonagall en “Harry Potter and the Order of the Phoenix”:
La transformación de quién ostenta el poder en la escena está brillantemente ejecutada. Completamente obvia y evidente, pero aun así visualmente impactante.
Otro ejemplo es la obra maestra de Sam Mendes, “American Beauty”. Sin embargo, aquí los cineastas juegan con nuestras expectativas en lugar de usar los contrapicados de forma tradicional.
El personaje de Kevin Spacey aparece en un contrapicado durante la escena en la que renuncia porque nadie espera que este fracasado sea capaz de nada en la vida. Es precisamente aquí donde, de repente, ejerce poder y chantajea a su jefe. Esto crea una interesante disonancia en cómo nos sentimos hacia el personaje, que nos acompaña a lo largo de toda la película.
Conclusión
Entonces, ¿es mejor optar por un contrapicado, picado o línea de visión? Depende de la historia que quieras contar, la perspectiva que quieras comunicar y la sensación que quieras evocar en los espectadores. Elegir la altura de la cámara es gratis y se puede cambiar rápidamente en el set, pero tiene peso. Por lo tanto, antes de elegir, es mejor que te preguntes: ¿qué efecto quiero crear? Y luego, elige el ángulo en consecuencia.
¿Cuándo decides usar contrapicados en tus proyectos? ¿Conoces ejemplos de películas que logren un impacto completamente diferente utilizando la altura de la cámara como herramienta? ¡Compártelos con nosotros en los comentarios!
Fuente de la imagen destacada: fotogramas de las películas “The Lighthouse” de Robert Eggers, 2019; “Inglorious Basterds” de Quentin Tarantino, 2009 y “Parasite” de Boon Joon Ho, 2019.
Descargo completo: MZed es propiedad de CineD
Fuente adicional: “Cinematic Storytelling” de Jennifer Van Sijll, 2005.
